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Gorillaz, la discographie des albums studios

Gorillaz, Gorillaz, 2001

Fusion ludique de hip-hop, dub et électro, ce premier album signé Damon Albarn dessine un paysage sonore dystopique. Clint Eastwood déroule son groove nonchalant, Tomorrow Comes Today flotte dans une brume urbaine, pendant que 19-2000 marque par sa mélodie accrocheuse. Entre dérision et spleen digital, une œuvre décalée qui brouille avec inventivité les frontières des genres.

Demon Days, Gorillaz, 2005

L'association avec Danger Mouse propulse Gorillaz dans la stratosphère, apportant une touche sombre à leur univers déjà tordu. Feel Good Inc séduit par son alternance de mélancolie et d'explosion rap, DARE vibre d'une fièvre disco contagieuse. Albarn trouve l'équilibre parfait entre ses obsessions personnelles et des refrains qui habitent mon cerveau depuis 2005.

Plastic Beach, Gorillaz, 2010

Plastic Beach transforme Gorillaz en manifeste écologique déguisé en carnaval sonore. Albarn y embarque Snoop Dogg et Lou Reed sur son île synthétique où On Melancholy Hill flotte comme un joyau aquatique. L'album révèle progressivement ses trésors sous une production léchée qui ne se dévoile jamais entièrement à la première écoute. Une croisière fascinante en eaux profondes.

The Fall, Gorillaz, 2010

Improvisé sur iPad pendant une tournée américaine, The Fall révèle un Gorillaz plus intime et expérimental. Revolving Doors capture une mélancolie errante, Amarillo évoque des paysages désertiques traversés en tourbus. Loin des productions chargées, Albarn y dévoile une sensibilité nouvelle dans ce journal de bord musical. Un album modeste mais touchant qui prouve le génie britannique même dans l'improvisation.

Humanz, Gorillaz, 2017

Une fête apocalyptique se déploie sur Humanz, où Albarn s'efface derrière des invités prestigieux comme Vince Staples et Grace Jones. Cette réaction viscérale à l'ère Trump voit Andromeda flotter comme une bulle spatiale dans un chaos organisé, pendant que Saturnz Barz captive l'auditeur. Le fil narratif se perd parfois, mais l'urgence politique reste palpable sous les beats dansants.

The Now Now, Gorillaz, 2018

Épuré et personnel, The Now Now marque le retour d'Albarn au micro pour Gorillaz. Les synthés rétro et mélodies aériennes de Humility et Tranz baignent dans une douceur estivale apaisante. Un album en retrait, mais sincère, où Albarn se recentre simplement sur l’essentiel.

Song Machine: Season One, Strange Timez, Gorillaz, 2020

Song Machine se révèle comme un laboratoire créatif où Robert Smith et Elton John viennent enrichir une collection de morceaux aussi éclectiques qu’irrésistibles. Désolé flotte avec la voix fascinante de Fatoumata Diawara, quand Momentary Bliss explose d'énergie punk. Strange Timez compose un album-puzzle où chaque pièce participe à une mosaïque musicale ambitieuse.

Cracker Island, Gorillaz, 2023

Greg Kurstin insuffle une cohérence pop à ce huitième album, sans gommer l’ADN du groupe. Thundercat et Tame Impala apportent une touche psychédélique et funky. New Gold brille par son refrain accrocheur, Skinny Ape mêle acoustique et électronique avec subtilité. Un album plus accessible, mais toujours inventif.

Muse, la discographie des albums studios

Showbiz, Muse, 1999

Muse débute avec Showbiz, fusion bouillonnante de riffs acérés et d'émotions exacerbées. Les influences (Radiohead, Jeff Buckley) sont évidentes mais Bellamy impose déjà sa signature vocale stratosphérique. Muscle Museum alterne fragilité et explosions de rage, annonçant la grandeur à venir. Un premier jet imparfait mais essentiel, où l'ambition dépasse déjà les moyens.

Origin Of Symmetry, Muse, 2001

Muse brise les codes du rock avec Plug In Baby et la voix de Bellamy poussée à ses limites. La basse déformée de Wolstenholme devient leur signature sonore. Chaque excès devient vertu cardinale dans cet opus où le trio assume pleinement sa démesure, définissant définitivement son identité musicale.

Absolution, Muse, 2003

Les angoisses apocalyptiques de Muse se canalisent sur Absolution, mariant orchestrations grandioses et énergie rock brute. Stockholm Syndrome déferle comme une tempête électrique, Time Is Running Out impose son groove nerveux et entêtant. Bellamy perfectionne son art du drame musical, propulsant le trio vers les stades sans sacrifier sa vision. Un tournant décisif dans leur ascension.

Black Holes & Revelations, Muse, 2006

Entre pulsations disco surprenantes de Supermassive Black Hole et chevauchée intergalactique de Knights of Cydonia, Black Holes & Revelations synthétise idéalement leur folie créative, avec un équilibre rare entre audace sonore et efficacité pop. Matt Bellamy sculpte ici un opéra rock spatial ambitieux, parmi les plus visionnaires du trio britannique.

The Resistance, Muse, 2009

L'apogée symphonique de Muse s'atteint sur The Resistance, fusion de rock et d'orchestrations grandiloquentes. Uprising séduit les foules avec son refrain révolutionnaire, la suite Exogenesis transforme l'album en bande originale spatiale. Bellamy joue les Mozart modernes, sacrifiant parfois l'énergie brute pour une beauté plus léchée et cinématique.

The 2nd Law, Muse, 2012

Sur The 2nd Law, Muse plonge tête première dans le dubstep avec Unsustainable tout en flirtant avec la pop sur Madness. La puissance orchestrale de Supremacy rappelle un James Bond, mais l'album manque de cohésion. Un laboratoire sonore fascinant où Bellamy semble tiraillé entre sa soif d'expérimentation et les succès commerciaux qui l'attendent.

Drones, Muse, 2015

Muse renoue avec ses racines rock sur Drones, album-concept sur la déshumanisation militaire. La production musculeuse de Mutt Lange met les guitares au premier plan, Psycho rugit d'une rage primitive. Matt Bellamy y joue les prophètes paranoïaques avec conviction, mais l'ensemble manque de la magie expérimentale de leurs meilleurs travaux. Une œuvre solide qui vise les stades plus que l'innovation.

Simulation Theory, Muse, 2018

Muse plonge dans le rétro-futurisme avec Simulation Theory, mariage audacieux de synthwave et de rock épique. Pressure pulse d'une énergie contagieuse, The Dark Side marie nostalgie des eighties et anxiété contemporaine. Un album qui assume sans complexe ses claviers fluo et son esthétique rétro-futuriste.

Will Of The People, Muse, 2022

Muse compile ses différentes périodes sur Will Of The People, sorte de best-of d'albums qui n'existent pas. Won't Stand Down rugit avec une intensité métallique, Compliance scintille d'électro-pop synthétique. Le trio anglais recycle ses propres formules avec maestria technique mais peu de surprises. Le message politique urgent se dilue dans une musique trop prévisible pour vraiment marquer.

Radiohead, la discographie des albums studios

Pablo Honey, Radiohead, 1993

Pablo Honey, premier album de Radiohead, reste empreint d'influences grunge et indie-rock. Creep capture un désespoir générationnel qui propulse le groupe sur la scène internationale. Entre guitares furieuses et mélodies vulnérables, le quintette d'Oxford pose les bases d'une sensibilité unique qui s'épanouira pleinement sur leurs albums suivants.

The Bends, Radiohead, 1995

The Bends révèle l'ambition artistique de Radiohead. Délaissant l'approche brute de leur début, le groupe sculpte des compositions aux textures riches où la voix de Yorke brille. Fake Plastic Trees transcende la pop-rock par sa sincérité déchirante. L'écriture s'affine, les arrangements respirent, et Radiohead trouve sa voie entre expérimentation et émotion.

OK Computer, Radiohead, 1997

Prophétique, OK Computer annonçait notre malaise numérique avant l'ère des smartphones. Radiohead s'y libère du britpop pour inventer sa propre langue musicale. Enregistré dans un manoir hanté, l'album puise son étrangeté dans les concerts éprouvants de la tournée précédente. Un chef-d'œuvre anxieux qui continue de résonner avec une troublante justesse.

Kid A, Radiohead, 2000

Stupéfiant virage vers l'électronique, Kid A reste le grand saut sans filet de Radiohead. Abandonnant leurs guitares au profit d'un paysage de textures glaciales et de rythmiques insaisissables, Yorke et sa bande fascinent par leur audace. Everything In Its Right Place ouvre les portes d'un univers sonore qui redéfinit complètement ce qu'un groupe rock peut créer au 21e siècle.

Amnesiac, Radiohead, 2001

Né des sessions de Kid A, Amnesiac s'aventure plus loin dans l'expérimentation. Pyramid Song flotte sur un rythme insaisissable qui défie toute convention. Radiohead y mélange électronique abstraite, jazz déstructuré et folk spectrale avec une audace stupéfiante. Un labyrinthe sonore qui révèle de nouvelles subtilités à chaque écoute.

Hail To The Thief, Radiohead, 2003

Fusion entre rock incisif et électronique troublante, Hail to the Thief reflète un monde au bord du chaos. There There conjugue tension rythmique et émotion brute. Radiohead y retrouve une énergie directe sans sacrifier la sophistication sonore. Un album politique qui traduit l'anxiété post-11 septembre avec une justesse saisissante.

In Rainbows, Radiohead, 2007

In Rainbows équilibre parfaitement mélodies lumineuses et audaces sonores. Nude et Weird Fishes révèlent un groupe plus apaisé, où Thom Yorke murmure ses fragilités avec une douceur inédite. Un album intime, élégant et subtilement expérimental, qui repousse discrètement les frontières établies par leurs précédents opus.

The King Of Limbs, Radiohead, 2011

Construit sur des boucles rythmiques complexes, The King of Limbs révolutionne l'approche compositionnelle de Radiohead. La section rythmique devient le cœur créatif, transformant huit morceaux en puzzles sonores fascinants. Lotus Flower fusionne organiquement électronique et sensibilité rock. Un album exigeant qui récompense les auditeurs patients.

A Moon Shaped Pool, Radiohead, 2016

Les orchestrations de Jonny Greenwood enveloppent A Moon Shaped Pool d'une mélancolie majestueuse. Radiohead atteint l'équilibre parfait entre expérimentation et accessibilité. De la tension orchestrale de Burn the Witch à l'intime True Love Waits, enfin enregistrée après 20 ans, le groupe livre son album le plus personnel et émotionnellement riche.

Red Hot Chili Peppers, la discographie des albums studios

The Red Hot Chili Peppers, Red Hot Chili Peppers, 1984

Premier cri de guerre d'un groupe encore brut de décoffrage. Les Red Hot posent les bases de leur funk-punk sur cet album éponyme, malgré une production d'Andy Gill qui bride leur énergie explosive. Kiedis rappe plus qu'il ne chante, tandis que Flea fait déjà des merveilles à la basse. True Men Don't Kill Coyotes laisse entrevoir le potentiel qui ne demande qu'à exploser.

Freaky Styley, Red Hot Chili Peppers, 1985

George Clinton aux manettes, et ça s'entend! Les RHCP plongent dans un bain de funk psychédélique sur Freaky Styley, où la basse de Flea et les riffs de Slovak se répondent avec une liberté jubilatoire. Jungle Man explose d'une énergie primitive, tandis que la reprise de Hollywood (Africa) s'impose comme un manifeste. Brut, parfois inégal, mais terriblement vivant.

The Uplift Mofo Party Plan, Red Hot Chili Peppers, 1987

Dernier album avec Slovak, The Uplift Mofo Party Plan capture l'alchimie unique du line-up original. La fusion punk-funk trouve son équilibre parfait, portée par une production qui préserve l'énergie brute des Red. Fight Like a Brave résume à lui seul cette frénésie collective où chaque note semble improvisée et pourtant essentielle. Un adieu involontaire mais glorieux.

Mother's Milk, Red Hot Chili Peppers, 1989

L'arrivée de Frusciante et Smith transforme les Red Hot sans les dénaturer. Mother's Milk marque un tournant où la technique s'allie à la rage pure. Leur reprise de Higher Ground s'impose comme un uppercut sonique, tandis que des éclaircies mélodiques pointent le bout du nez. Album de transition essentiel où le groupe digère la perte de Slovak tout en ouvrant de nouvelles portes.

Blood Sugar Sex Magik, Red Hot Chili Peppers, 1991

Blood Sugar Sex Magik impose un funk-rock épuré sous la direction précise de Rubin. Give It Away explose avec une immédiateté rythmique irrésistible, Under The Bridge révèle une sensibilité mélodique inattendue chez Kiedis. Un album essentiel où le groupe atteint son équilibre idéal entre énergie brute et finesse musicale.

One Hot Minute, Red Hot Chili Peppers, 1995

Dave Navarro apporte une touche psychédélique et métallique à One Hot Minute, album sombre où les Red explorent leurs angoisses. Le groove reste imparable, notamment sur Aeroplane, mais l'atmosphère générale évoque davantage un bad trip qu'une fête funkadélique. Un disque déroutant qui divise les fans mais révèle la face cachée d'un groupe en pleine tourmente.

Californication, Red Hot Chili Peppers, 1999

Élégant équilibre entre mélodies poignantes et explosions funky, Californication marque la renaissance des Red Hot avec le retour salvateur de Frusciante. Sa guitare caresse plus qu'elle n'agresse, ouvrant un espace où Kiedis trouve une profondeur vocale inédite. Scar Tissue brille d'une mélancolie lumineuse, élargissant considérablement la palette émotionnelle du quatuor californien.

By the Way, Red Hot Chili Peppers, 2002

Frusciante impose sa vision mélodique et les RHCP se réinventent. By the Way surprend par sa richesse harmonique et ses arrangements sophistiqués. L'énergie brute de Can't Stop côtoie la délicatesse de Dosed sans dissonance. Un album où l'exploration musicale prend le pas sur les formules éprouvées, révélant un groupe qui refuse de se reposer sur ses lauriers.

Stadium Arcadium, Red Hot Chili Peppers, 2006

Culmination de l'ère Frusciante, Stadium Arcadium étale sur deux disques toutes les facettes des Red. La guitare y règne en maître, multipliant solos éblouissants et textures atmosphériques. Entre l'intimité de Snow et la puissance de Dani California, le groupe atteint une plénitude créative rare. Trop ambitieux peut-être, mais impossible à ignorer.

I'm with You, Red Hot Chili Peppers, 2011

Klinghoffer hérite d'une tâche impossible en remplaçant Frusciante. Sur I'm with You, les Red Hot cherchent un nouvel équilibre, s'appuyant davantage sur le groove imparable de Flea. The Adventures of Rain Dance Maggie rappelle leurs racines funky, mais l'ensemble manque parfois de cette magie qui rendait leur musique si distinctive. Album honnête d'un groupe en pleine transition identitaire.

The Getaway, Red Hot Chili Peppers, 2016

Danger Mouse remplace Rick Rubin et bouscule les habitudes des RHCP. The Getaway embrasse des textures plus atmosphériques, des arrangements plus sophistiqués. La basse slappée de Dark Necessities cohabite avec des expérimentations pop inattendues comme Go Robot. Un virage artistique courageux qui divise les fans mais prouve que le groupe continue d'évoluer après trois décennies.

Unlimited Love, Red Hot Chili Peppers, 2022

Le retour de Frusciante insuffle une nouvelle vie aux Red Hot. Unlimited Love respire la joie de quatre musiciens qui se retrouvent sans chercher à recréer le passé. La production chaude de Rubin met en valeur cette alchimie retrouvée où chaque instrument trouve sa place. Black Summer capture cette mélancolie sereine qui caractérise désormais un groupe en paix avec son héritage.

Return of the Dream Canteen, Red Hot Chili Peppers, 2022

Issu des mêmes sessions que son prédécesseur, Return of the Dream Canteen souffre inévitablement de la comparaison. Les RHCP y prolongent leurs retrouvailles, avec des moments d'inspiration pure comme Tippa My Tongue où le funk psychédélique reprend ses droits. Moins cohérent qu'Unlimited Love mais parsemé d'étincelles qui rappellent pourquoi ce groupe reste essentiel après quatre décennies.

The Strokes, la discographie des albums studios

Is This It, The Strokes, 2001

Les guitares entrelacées de Valensi et Hammond définissent Is This It des Strokes avec une précision captivante. Casablancas murmure avec un détachement qui est devenu signature, tandis que la production volontairement brute capture l'essence électrique de New York. Last Nite résume parfaitement cette alchimie avec son riff inoubliable qui a réinventé le rock des années 2000 avec une nonchalance étudiée fascinante.

Room on Fire, The Strokes, 2003

Sans révolutionner la formule de Is This It, The Strokes affûtent leur son avec des compositions plus tendues et maîtrisées. Reptilia frappe par son urgence, 12:51 injecte une touche new wave au garage rock du groupe. Moins spontané mais plus précis, l’album prouve que les New-Yorkais ont encore de la marge.

First Impressions of Earth, The Strokes, 2006

The Strokes dynamite leur son garage sur First Impressions of Earth, avec des guitares qui mordent plus fort et Casablancas qui hurle enfin à pleine voix. Juicebox déchire les enceintes quand You Only Live Once s'impose comme leur hymne définitif. Le groupe abandonne sa nonchalance calculée pour une sincérité brute qui divise les fans. Un album imparfait qui me touche par ses cicatrices apparentes.

Angles, The Strokes, 2011

Après une longue pause, The Strokes revient avec un son plus éclaté mais aussi plus varié. Les influences new wave et synthpop colorent Two Kinds of Happiness et Games, Under Cover of Darkness retrouve leur énergie d'antan. Les tensions créatives transparaissent, chaque membre tirant dans une direction différente, créant un album fragmenté mais intrigant.

Comedown Machine, The Strokes, 2013

The Strokes opère un virage 80s assumé pour ce cinquième album où les synthés prennent plus de place. Le falsetto de Casablancas sur One Way Trigger surprend, tout comme l'ambiance feutrée de Chances. Le groupe semble moins préoccupé par les attentes et plus libre d'explorer différentes pistes sonores. Moins immédiat que leurs débuts, il révèle ses qualités après plusieurs écoutes.

The New Abnormal, The Strokes, 2020

Rick Rubin sculpte pour The Strokes un son à la fois fidèle et renouvelé sur The New Abnormal. The Adults Are Talking brille par sa subtilité mélodique, Bad Decisions assume son héritage new wave avec assurance. Casablancas y dévoile une vulnérabilité inédite, comme si le temps avait fissuré son armure d'ironie. Leur meilleur album depuis leurs débuts.

Talking Heads, la discographie des albums studios

Talking Heads: 77, Talking Heads, 1977

Talking Heads bouleverse la scène punk avec son premier album, mariant pop anguleuse et minimalisme intelligent. David Byrne y articule ses névroses avec une précision chirurgicale, créant une tension unique. Psycho Killer définit leur approche singulière: des paroles dérangeantes sur des grooves implacables. Une révolution tranquille qui résonne encore, où l'anxiété devient une forme d'art.

More Songs About Buildings and Food, Talking Heads, 1978

Talking Heads affine sa fusion de post-punk et funk nerveux sur ce deuxième album produit par Brian Eno. Found a Job claque avec une précision mécanique, Take Me to the River transforme Al Green en manifeste glacial. Le quatuor new-yorkais gagne en muscle sans perdre sa tension névrotique, observant l'Amérique avec un regard clinique et fasciné à la fois.

Fear of Music, Talking Heads, 1979

Fear of Music m'obsède toujours après tant d'années. Talking Heads plonge dans une obscurité rythmique traduisant parfaitement l'anxiété urbaine. I Zimbra introduit ces influences africaines qui deviendront leur signature, Life During Wartime dessine un paysage apocalyptique saisissant. Byrne confronte ici ses peurs avec une acuité clinique sur des rythmes obsédants.

Remain in Light, Talking Heads, 1980

Talking Heads fusionne rock et polyrythmies africaines sur Remain in Light, créant un univers sonore sans précédent sous la direction d'Eno. Le groupe dépasse le stade du simple quartet pour explorer des motifs répétitifs hypnotiques où la voix de Byrne plane avec une urgence fascinante. Once in a Lifetime incarne parfaitement cette approche où malaise existentiel et groove implacable coexistent brillamment.

Speaking in Tongues, Talking Heads, 1983

L'avant-garde devient accessible sur Speaking in Tongues, cinquième album des Talking Heads. Leur frénésie arty se transforme en tubes dansants irrésistibles. Burning Down the House explose en hymne mutant, pendant que This Must Be the Place révèle une vulnérabilité rare chez Byrne. Je redécouvre régulièrement les détails cachés dans ces grooves captivants.

Little Creatures, Talking Heads, 1985

Talking Heads surprend avec Little Creatures, virage vers une pop lumineuse et accessible. Fini le délire rythmique africain, place à un americana filtré par leur sensibilité unique. Road to Nowhere démontre le génie mélodique de Byrne dans un format plus traditionnel. Le groupe y abandonne sa complexité sans renoncer à son étrangeté fondamentale. Une légèreté trompeuse et délicieuse.

Naked, Talking Heads, 1988

Talking Heads tire sa révérence avec Naked, fusion world-funk enregistrée à Paris avec des musiciens africains. Le groupe y marie rythmes latins et conscience politique avec une maîtrise consommée, mais une certaine lassitude transparaît. (Nothing But) Flowers scintille comme un dernier éclair de génie collectif avant que Byrne ne prenne définitivement son envol en solo.

maj 03.2025

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